Miedo, espacio recuperado por RNE

Hay algo en este tipo de propuestas que se percibe antes incluso de que empiece el relato: una intención clara de recuperar un modo de hacer radio que hoy resulta poco habitual. Eso es lo que propone “Miedo”, una serie de radioteatro emitida originalmente entre 1987 y 1988 y ahora recuperada por RNE Audio, con un total de 76 episodios que combinan historias originales y adaptaciones de autores clásicos del género.

Desde esa base, el capítulo analizado, “Los silencios del mal”, funciona no solo como relato, sino también como declaración de intenciones.

Una voz que guía y prepara al oyente

El arranque del episodio deja claro el papel del conductor, José Antonio Valverde, que no se limita a presentar, sino que introduce el universo del programa con una locución reflexiva, pausada y con cierto tono solemne. Su forma de hablar no busca la cercanía inmediata, sino crear atmósfera, preparar al oyente para lo que viene.

En ese inicio, se escuchan frases que marcan esa intención: “El miedo es algo que acompaña siempre al hombre, desde la cuna a la sepultura”. La dicción es clara, muy trabajada, propia de la radio clásica, y el ritmo se mantiene constante, sin prisas.

No hay improvisación ni espontaneidad aparente, pero sí control y oficio. Es una voz que no busca protagonismo emocional, sino autoridad narrativa. Puede resultar distante para oyentes actuales, aunque encaja con el estilo del radioteatro de la época.

Un relato bien delimitado dentro de una estructura clásica

El episodio se organiza en tres bloques reconocibles: introducción, dramatización y cierre con reflexión. Primero, una presentación extensa que contextualiza el miedo como concepto; después, el relato central; y finalmente, un pequeño coloquio que amplía el tema del género.

La historia principal, “Los silencios del mal”, se desarrolla de forma lineal, sin saltos complejos. La introducción cumple su función de preparar, aunque se alarga un poco, dado que es la primera entrega. Aun así, ayuda a situar al oyente en un tono concreto.

El cierre, por su parte, incorpora una conversación sobre el terror como género, lo que añade un matiz divulgativo. Esa mezcla de ficción y reflexión no es frecuente en los formatos actuales, pero aquí aporta contexto y continuidad al programa.

Una historia reconocible, bien llevada en lo sonoro

El argumento del relato gira en torno a una niña con capacidades inquietantes, capaz de anticipar tragedias y mantener contacto con una presencia invisible. No es una idea nueva, pero está bien construida en su progresión.

A lo largo de la historia aparecen momentos que buscan generar inquietud desde lo cotidiano. Por ejemplo, cuando la niña afirma: “¿Quién es ese señor que está todo el rato en mi habitación?”. Ese tipo de frases, sencillas en apariencia, sostienen la tensión sin necesidad de grandes giros.

La historia avanza apoyándose en los diálogos y en la evolución emocional de los padres, que pasan de la incredulidad al miedo. No hay excesos narrativos, pero sí una acumulación progresiva de situaciones que van cerrando el círculo.

Producción sonora: el verdadero motor

Donde el episodio gana fuerza es en su producción. El uso de efectos, silencios y música está muy cuidado. No se trata de un acompañamiento, sino de un elemento narrativo en sí mismo.

Los silencios, en particular, cumplen un papel clave, en línea con el propio título del episodio. La ambientación sonora construye espacios, sugiere presencias y refuerza la tensión sin necesidad de explicaciones adicionales.

El trabajo del cuadro de actores de RNE se nota en la interpretación: voces bien diferenciadas, entonación clara y un uso medido de la emoción en coherencia con el estilo del radioteatro.

Un público concreto, bien atendido

Este tipo de propuestas no están pensadas para todos los oyentes. Se dirige, sobre todo, a quienes disfrutan del radioteatro clásico o del terror más literario.

El ritmo, la forma de narrar y la propia estructura requieren cierta disposición por parte del oyente. No es un contenido rápido ni fragmentado, sino algo que pide atención continuada.

En ese sentido, el programa se adapta bien a su audiencia potencial, aunque puede resultar exigente para quienes buscan formatos más actuales.

La experiencia del oyente

Escuchar este episodio hoy tiene algo de viaje en el tiempo. No solo por la temática, sino por la forma de hacer radio.

El oyente entra poco a poco en la historia, guiado por la voz inicial y sostenido después por la dramatización. La sensación es más cercana a “ver” con el oído que a consumir un podcast al uso.

Hay momentos en los que la tensión funciona especialmente bien, sobre todo cuando la historia se apoya en lo no visible. La escena final, con la silla vacía y la niña señalando, resume bien ese tipo de inquietud.

Otros contenidos y continuidad del programa

La serie continúa con episodios como “Oferta de trabajo… muy tentadora”, “Sospecha” o “Sesión de espiritismo”, todos ellos centrados en distintas formas de miedo cotidiano o sobrenatural.

Eso indica una línea editorial clara: explorar el terror desde diferentes ángulos, pero siempre dentro de un marco narrativo clásico.

Valoración final

En conjunto, “Miedo” es un ejemplo sólido de radioteatro bien producido. Sus principales fortalezas están en la calidad sonora, la interpretación y la coherencia del conjunto.

Un formato, en definitiva, muy recomendable para quien quiera escuchar cómo se construye el terror en la radio, apoyado en la palabra, el silencio y la imaginación. No busca sorprender con giros modernos, sino recuperar una forma de contar que sigue teniendo sentido cuando se le presta atención.

Escúchalo en RTVE

Imágenes generadas con tecnología DALL·E 3 por el generador de imágenes de Bing.

Prohibido morirse

Hay podcasts que parten de una idea sencilla y la llevan hasta el extremo. “Prohibido morirse” juega precisamente con eso: una conversación contrarreloj, como si el mundo estuviera a punto de terminar. El episodio analizado, con Willy Bárcenas, responde bien a ese planteamiento, aunque también deja ver sus límites.

Desde el inicio, el tono marca el ritmo. La locución del presentador es cercana, directa, con una intención clara de romper cualquier formalidad. No busca construir una entrevista clásica, sino una charla que se mueve entre lo íntimo y lo provocador. La dicción es correcta, aunque el ritmo a veces se acelera, como si quisiera aprovechar cada segundo de ese “tiempo ficticio” que se acaba. Esa prisa funciona como recurso narrativo, pero también provoca cierta dispersión.

El propio invitado se adapta bien a ese estilo. Willy Bárcenas entra en el juego con naturalidad, sin intentar controlar demasiado el discurso. Se muestra cómodo, incluso cuando las preguntas se vuelven más personales o incómodas. Hay momentos donde se percibe cierta improvisación honesta, como cuando reconoce: “Soy una persona muy impulsiva” o cuando resume su trayectoria con un titular sencillo: “He vuelto”. Esa espontaneidad es uno de los puntos fuertes del episodio.

En cuanto a la estructura, el programa sigue una lógica clara, aunque poco rígida. La cuenta atrás —quedan 25 minutos, luego 15, luego 8— sirve como hilo conductor. No hay secciones marcadas, pero sí bloques temáticos que van surgiendo: la vida personal, la familia, la carrera musical, la política, los miedos. 

La temática gira en torno a una pregunta sencilla: ¿qué harías si te quedara poco tiempo? A partir de ahí, el episodio se abre hacia cuestiones más amplias. Hay reflexiones sobre la muerte, la fe, la amistad o el éxito. No se busca profundidad académica, sino una reflexión accesible. 

También hay espacio para lo ligero, incluso lo banal. Preguntas sobre sexo, drogas o pequeños delitos introducen un tono más desenfadado, aunque a veces rompen el equilibrio. Ese contraste entre lo profundo y lo trivial es constante, y no siempre está bien resuelto.

La producción sonora es sencilla y el programa se apoya casi exclusivamente en la conversación.

Respecto a la audiencia, el podcast parece dirigido a un público joven-adulto, así como para los seguidores de Willy Bárcenas, que encontrarán en el mismo un retrato bastante reconocible.

Desde el punto de vista del oyente, la experiencia es irregular pero entretenida. Hay momentos donde la charla fluye y engancha, especialmente cuando el invitado habla de su trayectoria o de sus contradicciones. Sin embargo, en otros tramos se percibe cierta acumulación de preguntas rápidas que no terminan de desarrollarse. Esa sensación de ir “saltando” puede cansar.

En cuanto a otros capítulos del programa, la idea de entrevistar a diferentes perfiles bajo esta premisa permite una variedad temática amplia. Dependiendo del invitado, el tono puede inclinarse más hacia lo emocional, lo humorístico o lo reflexivo. Esa flexibilidad es uno de sus principales atractivos.

En conjunto, “Prohibido morirse” es un podcast que funciona mejor cuando deja espacio a la conversación que cuando intenta forzarla. Su fortaleza está en la naturalidad y en la cercanía. Su debilidad, en una estructura algo dispersa y en la falta de una producción más trabajada.

Es un formato recomendable si se busca una escucha ligera, con momentos de interés y cierta sensación de improvisación real. No pretende ofrecer respuestas, sino acompañar durante un rato con una conversación que, como la propia idea del programa, parece siempre a punto de acabarse.

Escúchalo en Onda Cero

Imágenes generadas con tecnología DALL·E 3 por el generador de imágenes de Bing.

El caso Arny

Hay algo en este primer episodio de “Arny” —producido por Onda Cero— que se percibe desde el inicio: no busca tanto explicar como volver a mirar. La historia comienza con una imagen concreta, casi suspendida en el aire, y desde ahí comienza un relato que avanza con cautela, como si supiera que cada paso pisa terreno incierto.

En esa forma de contar, la locución y estilo del conductor se sitúan en un lugar discreto. La voz no impone, no dramatiza en exceso, no trata de conducir al oyente hacia una conclusión. Más bien abre espacio. El tono es contenido, el ritmo pausado y la dicción clara incluso cuando se entrelazan voces de archivo. Desde el inicio, con ese sobrevuelo de la avioneta sobre Sevilla: “El 29 de octubre de 1997, una avioneta blanca sobrevuela durante una hora la Audiencia Provincial de Sevilla…” . El relato encuentra una forma de entrar sin ruido, dejando que la escena hable por sí sola.

A partir de ahí, la estructura del contenido se despliega sin cortes bruscos. Primero aparece el caso como un eco colectivo, como algo que está en la calle, en los medios, en la conversación. Después, el relato retrocede y se detiene en la ciudad, en su transformación, en esa Sevilla que se proyecta hacia el futuro mientras mantiene zonas en sombra: “Sevilla rezuma modernidad, aunque hay una zona que queda fuera del lavado de cara de la ciudad…” . No hay prisa por llegar a un desenlace; de hecho, el capítulo termina sin cerrarse, abierto a los nuevos episodios como si la historia necesitara más tiempo o más miradas.

En cuanto a la temática y profundidad, el podcast se sitúa, al menos en este primer episodio, deliberadamente en la incertidumbre. No ofrece una versión definitiva, sino una acumulación de perspectivas que a veces se contradicen. La idea de que el caso sigue sin resolverse del todo aparece de forma clara: “Ni siquiera quienes vivieron esta historia en primera fila tienen claro lo que ocurrió…” . El testimonio de Manuel Iváñez introduce además un contexto social concreto, el de una época atravesada por la marginalidad y la economía informal. Su forma de hablar, directa y sin rodeos: “Yo creo que fui pionero en esto…” , aporta cercanía, aunque también deja ver que cada relato es solo una parte.

La producción sonora acompaña sin imponerse. La música, cortes y efectos aparecen cuando son necesarios, casi siempre para sostener el paso de una escena a otra. No hay un diseño complejo, aunque sí un gran trabajo de edición, y una coherencia que mantiene la atención. Los archivos de época añaden textura y refuerzan la sensación de estar escuchando algo reconstruido desde la memoria.

Todo esto define también la audiencia objetiva. Es un podcast pensado para quien se acerca a las historias reales con paciencia, sin esperar respuestas inmediatas. No simplifica ni acelera, y eso exige cierta disposición por parte del oyente, pero también le ofrece un relato más matizado.

Como primer episodio, cumple con su propósito: abrir el caso, presentar una voz central y dejar planteadas las preguntas. Su principal fortaleza está en la forma de contar, en esa narrativa que avanza sin imponer certezas. El conjunto funciona como un comienzo sólido, que no pretende cerrar nada, sino iniciar un recorrido en el que, quizá, lo más importante no sea encontrar respuestas, sino entender por qué siguen faltando.

Escúchalo en Onda Cero

Imágenes generadas con tecnología DALL·E 3 por el generador de imágenes de Bing.

La dama blanca

En los últimos años, la ficción sonora ha vuelto a ganar espacio en el mundo del podcast, y algunas producciones han apostado por recuperar el lenguaje del radioteatro clásico con técnicas actuales de sonido. En ese terreno se sitúa La dama blanca, una serie de Onda Cero Podcast que combina thriller policial, terror y elementos sobrenaturales. La ficción está escrita por Enrique Videla y dirigida junto a Miguel Ángel Expósito y Víctor Blanco, y sitúa su historia en un bosque del Pirineo aragonés, donde una desaparición infantil desencadena un misterio que se prolonga durante años.

La serie se desarrolla a lo largo de diez episodios y gira alrededor de Aurora Ochoa, una guardabosques marcada por la desaparición de su hija en una excursión escolar. Diez años después, uno de los niños que se perdieron en aquel suceso aparece de forma inesperada, y su relato abre una puerta inquietante entre lo racional y lo sobrenatural.

El reparto se completa con voces como las de Alejandro García ‘Peyo’, Coral Balas, José Ángel Fuentes, Emma Cifuentes y Luis Ignacio González, entre otros. 

Un comienzo que introduce el misterio

El primer episodio, Los perdidos, comienza con una escena cotidiana que rápidamente deriva hacia la inquietud. Una madre habla con su hija por teléfono mientras esta se encuentra con su grupo en una excursión cerca de un lago. La conversación es sencilla, incluso doméstica, hasta que la comunicación se interrumpe y deja entrever que algo extraño está ocurriendo.

Ese momento inicial marca el tono del episodio. La última llamada se convierte en la antesala de una tragedia que, según se explica después, acabará con la desaparición de cinco niños en el Parque Nacional Monteverde, en pleno Pirineo.

La voz de la niña transmite desconcierto en los instantes finales de la conversación:

“Mamá, está pasando algo, pero no veo nada.”

Ese fragmento introduce el misterio sin explicarlo del todo y deja al oyente en un estado de incertidumbre que se mantiene durante el resto del capítulo.

Interpretación y estilo de las voces

Al tratarse de una ficción sonora, la locución no depende de narradores tradicionales, sino de un reparto de actores que construyen la historia mediante diálogos. En ese sentido, la interpretación de Ana Isabel Rodríguez, en el papel de Aurora, sostiene buena parte del episodio. Su voz transmite cansancio, tensión y una mezcla constante de incredulidad y esperanza.

El personaje de Lucas, interpretado por Sergio Liébana, introduce el elemento inquietante del relato. El joven aparece desorientado en el bosque diez años después de la desaparición y asegura haber escapado de un lugar imposible. Su forma de hablar oscila entre el miedo, la confusión y momentos de angustia.

En uno de los diálogos centrales del capítulo intenta explicar lo que le ocurrió:

“Ella me llevó río arriba… a su caverna. La mujer de blanco.”

El contraste entre la lógica del personaje de Aurora y las afirmaciones del joven crea la tensión principal del episodio.

Una estructura basada en el diálogo

La estructura narrativa del capítulo es sencilla y eficaz. El episodio se divide en tres momentos claros.

El primero presenta el suceso original: la excursión de los niños y su desaparición. El segundo sitúa la historia diez años después, cuando Aurora encuentra a un joven desorientado en el bosque. Y el tercero desarrolla una conversación larga y tensa entre ambos personajes en la cabaña de la guardabosques.

Esa conversación ocupa la mayor parte del episodio y funciona como un interrogatorio informal. Aurora intenta reconstruir lo ocurrido mientras el joven ofrece respuestas cada vez más desconcertantes.

En un momento del diálogo el muchacho afirma algo que cambia el rumbo de la escena:

“Los otros niños están abajo.”

La frase introduce la posibilidad de que los desaparecidos sigan vivos, lo que aumenta el suspense y da sentido a la investigación que se desarrollará en los episodios posteriores.

El tema: entre el thriller y la leyenda

Uno de los aspectos más interesantes del podcast es su mezcla de géneros. La historia parte de un caso policial —la desaparición de varios niños— pero poco a poco introduce elementos de terror y de leyenda.

El joven habla de una figura conocida como la mujer de blanco, una entidad que habitaría en el bosque y que, según el relato, secuestra a los niños que se pierden.

“La dama blanca roba a los niños que se separan de sus padres y se los lleva a su caverna.”

El episodio no confirma si esa figura es real o si forma parte de una alucinación o una leyenda local. Esa ambigüedad mantiene la intriga y permite que la historia avance entre lo racional y lo fantástico.

Producción sonora y ambientación

Uno de los puntos más destacados de La dama blanca es su producción sonora. El proyecto utiliza un diseño de sonido muy elaborado que busca crear una experiencia inmersiva. La ambientación corre a cargo del equipo de Mr. Peaks, con Álex Escutia y Alfonso Sanz, y utiliza un sistema llamado PROSOUND Immersive, una tecnología desarrollada por el diseñador sonoro Martín Justo, que convierte cualquier mezcla estéreo o binaural en una experiencia sonora 360°

En la práctica, esto se traduce en un uso constante de ambientes naturales, pasos, puertas, respiraciones o sonidos del bosque que sitúan al oyente dentro de la escena. La cabaña, el viento, el fuego de la estufa o los ecos del bosque funcionan como elementos narrativos que refuerzan la atmósfera de misterio.

El resultado recuerda al radioteatro clásico, pero con técnicas actuales de mezcla y diseño sonoro.

Una serie pensada para amantes del misterio

El público al que se dirige este podcast parece claro: oyentes que disfrutan del thriller, el suspense o las historias sobrenaturales. También puede resultar atractivo para quienes siguen la ficción sonora, un formato que en España ha recuperado cierta presencia en los últimos años.

Además, la historia se desarrolla a lo largo de diez episodios que van ampliando el misterio. En los capítulos siguientes aparecen elementos como comunidades religiosas, rituales, identidades ocultas y episodios de posesión o fenómenos inexplicables, mientras Aurora continúa buscando la verdad sobre su hija.

Desde el punto de vista del oyente

Escuchado como oyente, el primer episodio funciona sobre todo como introducción al misterio. No pretende resolver nada, sino plantear preguntas. ¿Quién es realmente Lucas? ¿Qué ocurrió con los niños desaparecidos? ¿Existe realmente esa figura del bosque o todo forma parte de una explicación más racional?

La conversación entre Aurora y el joven mantiene la tensión durante buena parte del episodio, y el final deja abierta la sensación de que algo grave está a punto de ocurrir.

Valoración

Como propuesta de ficción sonora, La dama blanca destaca por su cuidado diseño de sonido y por una historia que mezcla investigación y terror. El episodio piloto presenta el conflicto de forma clara y consigue mantener la curiosidad del oyente.

Entre sus puntos fuertes están la ambientación sonora, el ritmo del diálogo y la construcción del misterio. Como posible debilidad, algunos momentos del diálogo pueden resultar largos si se escuchan sin la atención que exige una ficción de este tipo.

En cualquier caso, el arranque deja claro que la serie busca algo más que una historia de miedo. Se trata también de un relato sobre la pérdida, la obsesión por encontrar respuestas y la forma en que los mitos pueden mezclarse con la realidad cuando no existen explicaciones claras.

Para quienes disfrutan del suspense y de la ficción sonora bien producida, La dama blanca es una propuesta que merece una escucha atenta.

Escúchalo en Onda Cero

Imágenes generadas con tecnología DALL·E 3 por el generador de imágenes de Bing.

Esto no es un cuento

Para quien sigue la evolución del podcast narrativo en España, el estreno de Esto no es un cuento, en RNE Audio, propone una mirada centrada en historias personales que forman parte de la memoria reciente. La serie nace con la intención de rescatar vidas de mujeres que no suelen aparecer en los relatos oficiales, y hacerlo mediante una narración sonora cercana al documental. El proyecto está escrito y narrado por Paloma López Villafranca, profesora de la Universidad de Málaga, y dirigido por Raquel Martín Alonso y Javier Hernández Bravo, quien además ejerce como editor del espacio.

La primera temporada se articula en cinco episodios dedicados a mujeres andaluzas cuya trayectoria, por distintos motivos, ha quedado en un segundo plano. El primer capítulo, titulado Pepi, el precio de la libertad, abre la serie con el testimonio de Pepi García Lupiáñez, detenida en Málaga a comienzos de los años setenta cuando apenas tenía dieciséis años por participar en manifestaciones que reclamaban libertad y democracia.

Una narración que mezcla memoria y testimonio

El episodio comienza con una escena sencilla: la protagonista vuelve, más de medio siglo después, a la cárcel provincial del barrio malagueño de Cruz del Humilladero, hoy abandonada. Ese regreso funciona como hilo conductor del relato. A partir de esa visita, la narradora reconstruye la historia de Pepi, combinando su voz actual con fragmentos de entrevista y contextualización histórica.

Desde el punto de vista de la locución, la voz de Paloma López Villafranca mantiene un tono sobrio y cercano, propio del documental radiofónico. La dicción es clara y el ritmo pausado, lo que permite que el oyente siga la historia sin dificultad. No hay dramatización excesiva ni recursos interpretativos marcados; el relato se apoya más en el contenido que en la teatralidad. Esa elección refuerza la sensación de estar escuchando un testimonio directo.

En paralelo, la voz de Pepi García introduce el componente emocional del episodio. Su forma de contar los hechos mantiene naturalidad, con pausas y recuerdos que parecen surgir mientras camina por el edificio. En un momento del relato resume el espíritu de aquella época con palabras sencillas:

“Lo único que pensaba y soñaba era que íbamos a ser más libres.”

Ese tipo de fragmentos aportan autenticidad y ayudan a que el oyente se sitúe en la experiencia personal de la protagonista.

Un relato construido como recorrido

La estructura del episodio es clara y lineal. El punto de partida es la entrada en la antigua prisión, que actúa como escenario físico y simbólico. A partir de ahí se alternan tres planos narrativos: el recorrido por el edificio, el recuerdo de los hechos vividos por Pepi y las explicaciones históricas que aportan contexto.

El recorrido por las celdas funciona casi como una guía de memoria. Cada espacio desencadena una historia o una reflexión. Cuando Pepi vuelve a la celda donde estuvo presa, la escena se convierte en uno de los momentos más significativos del episodio. Allí describe cómo convivía con otras mujeres encarceladas por motivos muy distintos.

“Tres mujeres éramos en cada celda… yo dormía aquí sola, en una camita.”

Ese tipo de escenas hacen que la narración avance con naturalidad. No hay secciones explícitas ni cambios bruscos, sino un flujo continuo que acompaña el paseo por el edificio y los recuerdos de la protagonista.

El episodio también introduce voces externas, como la de la historiadora Encarnación Barranquero, que explica el contexto de las mujeres encarceladas durante el franquismo. Este recurso aporta información histórica sin romper la línea narrativa.

El tema: memoria personal y memoria colectiva

El eje temático del episodio es la memoria histórica, pero abordada desde una historia individual. La detención de Pepi se sitúa en los últimos años de la dictadura, cuando todavía se perseguían las manifestaciones políticas.

La protagonista recuerda el momento en que fue arrestada tras una protesta:

“La policía vino detrás mía y me cogió… tres días en comisaría y luego el juez decidió que tenía que ingresar en prisión.”

Más allá del hecho concreto, el relato muestra cómo una adolescente comenzó a implicarse en el movimiento sindical y político de su tiempo. La historia recorre también su vida laboral en la industria textil y su toma de conciencia sobre la explotación laboral.

El episodio no se queda únicamente en el pasado. En la última parte se menciona su activismo posterior en causas internacionales, lo que permite entender esa experiencia juvenil como el origen de una trayectoria más larga de compromiso social.

Producción sonora: discreta y funcional

En cuanto a la producción sonora, el podcast mantiene un estilo documental bastante limpio. No hay una presencia constante de música ni efectos espectaculares. La ambientación sonora se limita a pequeños detalles que ayudan a situar la escena, como el eco del edificio vacío o los pasos durante el recorrido por la prisión.

Ese minimalismo puede interpretarse como una decisión consciente: el protagonismo recae en las voces y en el relato. La edición mantiene un ritmo fluido y evita interrupciones innecesarias.

El resultado es un episodio que se escucha con facilidad, cercano al formato de reportaje radiofónico tradicional.

Un podcast pensado para quienes buscan historias reales

El programa parece dirigido a una audiencia interesada en la historia reciente, la memoria democrática y los relatos biográficos. También puede resultar atractivo para oyentes que siguen el podcast narrativo o el documental sonoro.

El enfoque es accesible: no requiere conocimientos previos y se apoya en historias personales para explicar procesos históricos más amplios.

Además, la propia serie plantea continuar con otras figuras femeninas poco conocidas. Entre los episodios anunciados aparecen nombres como Agustina González López, conocida como la Zapatera de Lorca, Gertrudis “La Manticha”, Sofía Benítez Cubero “La Cuberita” o la bailaora Soraya Ramírez.

Desde la perspectiva del oyente

Escuchado como oyente, el episodio funciona sobre todo por la cercanía de la protagonista. La visita a la cárcel actúa como un viaje al pasado que se va construyendo poco a poco. No hay prisas en la narración, y eso permite que los recuerdos aparezcan con cierta calma.

La historia tiene momentos especialmente reveladores, como cuando Pepi recuerda cómo vivían las visitas familiares en prisión o cómo su propio padre no quiso verla tras salir de la cárcel. Son detalles que muestran el impacto personal de aquellos acontecimientos.

El final del episodio vuelve al presente, cuando la protagonista explica qué significa para ella regresar al lugar donde estuvo presa:

“Hay veces en las que tienes que volver a los sitios donde estuviste para poder cerrar el episodio en tu cerebro.”

Ese cierre refuerza la idea de que el podcast busca algo más que narrar hechos: pretende preservar recuerdos.

Valoración

Como propuesta sonora, Esto no es un cuento destaca por su enfoque claro y por la elección de historias poco conocidas. Su principal fortaleza es la combinación de narración y testimonio directo, que permite escuchar la voz de quienes vivieron los acontecimientos.

Entre sus puntos fuertes están la claridad del relato, el ritmo tranquilo y la cercanía de las entrevistas. Como posible debilidad, algunos oyentes podrían echar en falta una producción sonora más elaborada o una mayor variedad de recursos narrativos.

Aun así, el episodio funciona bien como puerta de entrada a la serie. Para quien disfrute de los podcasts de memoria histórica o de historias personales contadas en primera persona, este espacio puede resultar una escucha recomendable. Y sobre todo deja una sensación clara: detrás de los grandes procesos históricos hay vidas concretas que merecen ser recordadas.

Escúchalo en RTVE

Imágenes generadas con tecnología DALL·E 3 por el generador de imágenes de Bing.

Amistad con o sin admiración

La segunda temporada de Amistad, el podcast de Onda Cero Podcast, continúa el proyecto impulsado por Jacobo Bergareche y Mariano Sigman: detenerse a pensar qué significa la amistad en distintos momentos de la vida. En el episodio 11, el diálogo entre Rosa Montero y Valeria Palmeiro, gira en torno a una cuestión concreta: si puede existir amistad sin admiración.

Desde el arranque se percibe el tono del espacio. No hay una presentación larga ni efectista. Ellas mismas se definen con sencillez: “Soy Rosa Montero, soy escritora y periodista”; “Soy Valeria Palmeiro, pero se me conoce más como Coco Dávez y soy artista”. Esa naturalidad marca el resto de la conversación.

Locución y estilo: una charla que respira

El papel de Jacobo Bergareche y Mariano Sigman es el de facilitadores. Intervienen para ordenar el tema o lanzar preguntas, pero dejan espacio a que las invitadas desarrollen sus ideas. El ritmo es pausado, sin interrupciones innecesarias, y eso favorece que las respuestas tengan continuidad.

Rosa Montero aporta firmeza y claridad. Su manera de hablar es directa, incluso cuando aborda conflictos. Afirma con convicción: “Yo admiro a todos mis amigos”. No es una frase lanzada al aire; la sostiene con ejemplos y experiencias personales.

Por su parte, Valeria Palmeiro se mueve más desde la vivencia emocional. Cuando recuerda la ruptura con su mejor amigo en Londres, el tono se vuelve más íntimo: “No tenía herramientas para saber decirlo a tiempo”. Esa diferencia de registro entre ambas genera equilibrio. No compiten; dialogan.

El conjunto transmite profesionalidad sin rigidez. No hay grandilocuencia. Se escucha una conversación que podría darse fuera del estudio, pero con la atención puesta en cada palabra.

Estructura: un cierre coherente

Este episodio funciona como cierre de temporada. Ellos mismos lo subrayan al recordar los días compartidos grabando: “Hemos pasado aquí cinco días”. Esa conciencia de final le da un aire de balance.

Aunque no existen secciones formales, la conversación avanza por bloques claros: primero, la admiración como base del vínculo; después, las rupturas y las broncas; más tarde, la identidad y el sentirse visto; y finalmente, la pregunta habitual del programa: “¿Qué lugar ocupa en vuestra vida la amistad?”.

La respuesta es rotunda: “Para mí esencial, el primero”. Con esa afirmación se cierra el círculo.

La duración permite que los temas se desarrollen sin prisas, pero sin desviarse. No hay sensación de relleno.

Temática y profundidad: admirar o querer

El núcleo del episodio es el desacuerdo inicial. Para Rosa Montero, no hay amistad sin admiración. Para Valeria Palmeiro, el cariño puede existir sin ese componente explícito. Sin embargo, a medida que dialogan, la idea se matiza. Admirar no significa idealizar; es, como se dice en la conversación, “mirar con brillo”.

Uno de los momentos más claros aparece cuando Valeria resume el origen de una ruptura: “Es que no me está viendo”. Esa frase condensa una idea central del episodio: la amistad implica reconocimiento mutuo.

También se aborda el conflicto como parte del vínculo. Rosa Montero lo plantea sin dramatismo: “No hay que tener miedo de la bronca entre amigos”. La amistad, según esta conversación, no es ausencia de fricción, sino capacidad de atravesarla.

En el conjunto de la temporada, el programa ha explorado la amistad desde ángulos muy distintos: la transformación urbana con Pablo Purón, el duelo con Eva Serrano, la traición y el perdón con Santiago Gerchunoff, o los vínculos adolescentes con Pepa y Milo. 

Producción sonora: sobriedad que acompaña

La producción mantiene una línea sobria. Las voces suenan limpias y cercanas. No hay efectos ni música que distraigan. Esa sencillez permite que el oyente se concentre en las ideas y en los matices de la conversación.

Posible audiencia

El perfil del oyente es adulto, interesado en las relaciones humanas y en conversaciones que no buscan respuestas rápidas. También puede atraer a quienes siguen la obra de Rosa Montero o el trabajo divulgativo de Mariano Sigman.

No es un espacio pensado para el consumo acelerado. Es un podcast que pide atención y tiempo.

Desde el punto de vista del oyente

Escuchándolo, uno tiene la sensación de estar en una mesa donde se habla con calma. Hay momentos que interpelan. Por ejemplo, cuando se afirma que la amistad requiere trabajo: “Lo tienes que trabajar”. O cuando se señala que para ser buen amigo primero hay que saber estar solo.

No ofrece conclusiones cerradas. Deja preguntas abiertas que continúan después de terminar el episodio.

Valoración general

Entre sus fortalezas destacan la coherencia del proyecto, la elección de voces distintas y la capacidad de sostener una conversación larga sin perder interés. La palabra es el centro y funciona.

Como posible debilidad, quien busque dinamismo o variedad sonora puede echar en falta más ritmo o cambios de estructura. Aquí todo descansa en la conversación.

En conjunto, Amistad propone algo sencillo y poco frecuente: escuchar cómo otros piensan en voz alta sobre un vínculo que todos damos por hecho. Y, como se sugiere en el propio episodio, hablar de la amistad es también una forma de practicarla.

Escúchalo en Onda Cero

Imágenes generadas con tecnología DALL·E 3 por el generador de imágenes de Bing.

Podcast, el podcast: humor sin red y sin solemnidad

Podcast, el podcast es un espacio de RNE audio, al frente del cual encontramos a Miguel Campos, Aaron Aguilera, Laura del Val y Jorge Yorya, en un formato que combina audio y videopodcast, y que se apoya en el directo y en la música para construir un show que no se parece al podcast tradicional.

El episodio analizado, “Granos y colchones”, parte de un recuerdo común: la adolescencia y sus pequeñas tragedias. Granos, complejos, aparatos dentales, plantillas, bisoñez social. Sin embargo, como es habitual en el programa, el tema central es solo el punto de arranque. A partir de ahí, la conversación se desborda y deriva en sketches, canciones y parodias que saltan de la memoria personal a la sátira social.

Una locución basada en la energía

Desde el inicio, el ritmo es alto. No hay una introducción formal ni una contextualización pausada. El tono es directo, acelerado, con interrupciones constantes. La dicción no busca perfección, sino inmediatez. Eso aporta naturalidad y sensación de directo.

Miguel Campos ejerce de eje conductor, pero sin imponerse. Laura del Val introduce giros inesperados y asume el peso musical cuando aparece una canción. Jorge Yorya se mueve entre el comentario lateral y la exageración del personaje. No hay jerarquía rígida, sino un juego continuo.

Cuando recuerdan la adolescencia, aflora una parte más reconocible para el oyente. Entre bromas, aparece una frase que resume bien esa etapa: “cuando estás en una posición jodida desesperada, aceptas cualquier cosa”. Bajo el humor hay experiencia compartida y eso conecta con cierto tipo de oyentes.

Una estructura que aparenta caos

El episodio no está dividido en secciones claras, pero sí en bloques diferenciados. Comienza con un falso “Podcast de las IAs”, pasa por las gafas amarillas, se detiene en la adolescencia, salta a un club de swingers y termina en una parodia geopolítica.

A primera vista puede parecer disperso, pero responde a un esquema reconocible dentro del programa: conversación que se transforma en sketch, sketch que deriva en canción, canción que desemboca en promoción de directos. No buscan una tesis ni una conclusión temática. El cierre es coherente con el estilo: se acaba cuando el juego ya ha dado de sí.

La duración, cercana a los cincuenta minutos, funciona porque el ritmo apenas baja. Aun así, hay momentos en los que un gag pisa al siguiente y no siempre se deja respirar la idea.

Adolescencia, precariedad y sátira

El título “Granos y colchones” encierra dos planos: el físico y el adulto. Los granos representan la adolescencia; el colchón, la vida en pareja y las decisiones prácticas. En medio, el humor sirve para unir etapas.

El bloque de geopolítica funciona como caricatura del opinador improvisado. Se parodia esa tendencia a hablar con seguridad sobre conflictos internacionales sin tener datos. El propio programa lo deja claro: no pretende enseñar ni explicar, sino desmontar la pose.

Producción y sonido

La producción apuesta por el directo con público, lo que aporta energía y reacción inmediata. Las risas forman parte del ritmo. La música no es un adorno, sino un recurso central. Las canciones irrumpen como clímax cómico, sin buscar virtuosismo técnico.

El sonido es limpio y funcional. No hay ambientaciones complejas ni efectos excesivos. Todo está al servicio del gag y de la interacción entre los tres conductores.

Otros contenidos y línea editorial

En otras entregas han abordado temas como “Gafas amarillas”, “El del rap”, “Arkebi y el disco duro de Bin Laden” o “Yorya se hace famoso”. Los títulos ya dejan ver la intención: exagerar, deformar y jugar con cualquier asunto que permita construir una situación absurda.

No hay especialización temática. La línea editorial es el metahumor y la parodia del propio medio.

¿Para quién es este podcast?

Está dirigido a un público adulto que disfrute del humor rápido, del lenguaje directo y de la referencia cultural contemporánea. No es un espacio para quien busque entrevistas profundas o análisis pausados. Tampoco para quien necesite una estructura muy ordenada.

Funciona mejor para oyentes acostumbrados al stand-up y al humor coral, que acepten la improvisación y la irregularidad como parte del estilo.

Desde el punto de vista del oyente

Escucharlo es como asistir a una conversación que se desmadra y, aun así, mantiene un hilo interno. Hay momentos especialmente efectivos y otros que dependen más de la energía que del contenido.

La sensación general es de espontaneidad. No todo tiene el mismo nivel, pero cuando conectan, el resultado es coherente con la propuesta: reírse del propio formato podcast y de quienes lo hacen.

Valoración final

Entre sus fortalezas destacan la química entre los tres conductores, la integración de música y conversación, y una identidad clara dentro del panorama del humor sonoro. Entre las debilidades, el ritmo excesivo en algunos tramos, el tipo de humor (no apto para cualquiera) y la falta de una estructura más definida para nuevos oyentes.

Recomendaría Podcast, el podcast a quien quiera un espacio de humor que no se tome en serio a sí mismo y que juegue con los códigos del medio. En un entorno saturado de voces solemnes y expertos autoproclamados, aquí la apuesta es otra: desmontar el discurso y convertirlo en material cómico. Y esa decisión, al menos, es coherente de principio a fin.

Escúchalo en RNE audio

Imágenes generadas con tecnología DALL·E 3 por el generador de imágenes de Bing.